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Erros de novato ao gravar vídeo

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 Comentários do artigo

Você provavelmente já ouviu a piada sobre um piloto que sofreu um acidente porque, enquanto dirigia o carro, decidiu evitar uma colisão puxando o volante em sua direção? O significado da anedota é que a pessoa não teve tempo de reconstruir sua consciência, passando de uma situação para outra, e seus reflexos habituais e livres de erros em um assunto falharam em outro. Para evitar erros na gravação de vídeos, depois de pegar uma câmera, você precisa reestruturar sua consciência. Neste momento você não é piloto, nem motorista. Você é um cinegrafista. Então vou começar com o típico erros de novato, mostrando em contrastes como um cinegrafista deve pensar e agir.

Síndrome do atirador

"Um tiro uma morte". Filme "Sniper"

Uma pessoa identifica uma câmera de vídeo com mira de rifle. O mais importante é olhar o objeto através da mira (o maior possível), depois pressionar o gancho (botão REC) - e você pode colocar a câmera no estojo ou mirar em outro alvo.

Netushki. Temos um objetivo final ligeiramente diferente - nem uma cabeça de alce sobre a lareira, nem um copo de pontaria em uma prateleira. A imagem deve ser significativa, o espectador não deve ter dúvidas sobre o que vê. Mesmo o espectador mais lento deve ter tempo para ver qualquer evento ou objeto no quadro (e perceber o que vê).

Não associe o enquadramento a uma foto, isso não é verdade. Um quadro é uma palavra ou uma frase pequena, mas significativa. Não engula, não amasse. No entanto, não há necessidade de adiá-lo. Não aconselho fazer um quadro de qualquer cena com menos de cinco a dez segundos; o espectador simplesmente pode não ter tempo para entender o que está vendo agora. Seja crítico em relação ao movimento da câmera; tais vibrações são extremamente desconfortáveis ​​para o espectador. É melhor deixar o plano não ser tão grande, mas sem tremer.

Síndrome "abraçar a imensidão"

Você provavelmente já viu a intensidade da paixão que reina durante um talk show? Gritos do local, expressões faciais dos personagens principais, reação do público. E tudo isso é mostrado, o espectador vê tudo isso, não falta nada. Nossa, eu queria poder... Para quem ainda não assistiu a esses talk shows, vou te contar: a filmagem é feita com no mínimo cinco câmeras (uma delas sobre guindaste e outra sobre trilhos), em um retangular, próximo ao corredor quadrado, iluminado uniformemente por um grande número de holofotes. Cada grito do local - se for interessante, então é refilmado, obrigando você a gritar novamente, desta vez para um microfone e com câmeras de vídeo apontadas para o ângulo mais vantajoso. Há um silêncio absoluto no salão, todos batem palmas, assobiam e batem os pés. Você ainda quer competir na arte da fotografia de reportagem com uma equipe assim? Ou talvez não saibam trabalhar ou não saibam contar dinheiro?

Bem, se acontecer de você ver como eles se preparam para a filmagem de cada quadro em um set de filmagem, como eles passam horas ajustando as luzes e colocando trilhos para a câmera, como há duas pessoas em cada câmera (o operador e o pessoa responsável pelo foco, na gíria - "mágico") - então a conclusão virá por si só:

Você deve imaginar imediatamente seus pontos fortes e não tentar abraçar a imensidão. Aceite que, tendo apenas uma câmera de vídeo, muito medíocre, do ponto de vista profissional, você nunca conseguirá dar ao espectador uma imagem completa do evento que está acontecendo; ele nunca verá tudo o que aconteceu e não ouvirá tudo isso foi dito. Procure o que há de mais característico, de mais interessante em qualquer caso, e não eleve a fasquia mais alto do que a sua cabeça.

Uma tentativa, digamos, em uma viagem de caiaque de registrar até mesmo uma pequena parte da rota “como ela é”, simplesmente levará ao fato de que todo o filme acabará na noite do primeiro dia. Você não deve registrar cada minuto do percurso, mas criar no espectador a sensação de que ele passou por isso com você. Caiaques na superfície da água. Os rostos tensos de um dos tripulantes. Remos, ondas espumantes. O rosto cansado do comandante, examinando os arredores. As margens próximas flutuam cobertas de pinheiros. Há pescadores acenando para você da costa. O barco atrasado alcança a caravana, quase invisíveis devido à distância. Você pode ouvir seu parceiro comentar que o percurso do dia será concluído em breve. Ainda a costa, pinheiros, remos e rostos tensos. Em meio a tudo isso, a proa do caiaque aparece de repente na areia e o espectador vê uma panela sobre o fogo. Dois minutos de filmagem adequada - e você já tem o mínimo necessário para uma história. Passe mais dez minutos tentando capturar algumas fotos particularmente expressivas (entrevistas, cenas da vida cotidiana, algumas belas paisagens noturnas e caminhadas em naturezas mortas), que irão colorir significativamente o seu filme - e amanhã vá para a cama e reme novamente :).

Claro, tudo o que é dito aqui é verdade para a filmagem de um filme-memória de uma viagem, e não para um vídeo-curso sobre como completar o percurso.

Síndrome do regador de grama

Uma pessoa com uma câmera, encontrando-se no epicentro de um acontecimento, escolhe a forma mais lógica, ao que lhe parece, de mergulhar o espectador na atmosfera do que está acontecendo. Ao mover constantemente a câmera para frente e para trás como um regador de grama, ele pensa que está deixando o espectador ver tudo. Parece que tudo está correto, porque basta, uma vez no epicentro do acontecimento, olhar para frente e para trás, e tudo fica claro para nós, e sem nenhum desconforto para a percepção. O olhar humano, depois de se movimentar por apenas alguns segundos, é capaz de transmitir ao seu dono todas as informações necessárias sobre o cenário em que se encontra. Mas o “regador de grama” esquece que, ao receber informações dos olhos, já sabe para onde virou a cabeça, para onde moveu as pupilas. O espectador, olhando para a foto de outra pessoa na tela, precisa gastar mais tempo para descobrir exatamente para onde a câmera está apontando.

A câmera de vídeo não deve ser equipada com métodos de concentração de atenção acessíveis aos humanos. Qualquer movimento da câmera deve ser claro para o espectador. O movimento deve corresponder completamente ao movimento do objeto principal de atenção ou mover-se suavemente o suficiente para que o observador tenha tempo de entender para onde exatamente seu olhar está se movendo. Além disso, qualquer movimento da câmera deve ser justificado, ou seja, tendo começado a filmar qualquer evento, para mudar o ângulo ou o plano, você deve encontrar uma razão lógica e justificada que possa ser justificada em linguagem comum e cotidiana, sem qualquer jargão profissional.

síndrome do frequentador de teatro

- Vamos ao teatro!

- Sim, o que você é? Três horas para assistir ao plano geral?

Piada do velho cinegrafista

Uma das maneiras de “abraçar a imensidão”, segundo os iniciantes, é a seguinte técnica eficaz: afastando-se do evento que está sendo filmado, encaixe tudo o que está acontecendo em um quadro. Aproximadamente como é retratado nas pinturas “O Último Dia de Pompéia” ou “A Aparição de Cristo ao Povo”. Tal plano, por si só, sem dúvida tem o direito de existir, mas o operador não suspeita (ou não pensa) no fato de que, digamos, a pintura “A Aparição de Cristo ao Povo” ocupa o tamanho da parede da catedral, e há sempre um guia por perto que irá descrever detalhadamente cada pessoa retratada na imagem, concentrando-se nos detalhes característicos. Portanto, não se deve presumir que, ao encaixar todos os objetos na moldura, daremos ao espectador uma história interessante. O cinegrafista deverá desempenhar ele próprio o papel de guia turístico. Com sua câmera de vídeo.

Se você não consegue ver algo através do visor (como uma expressão facial), então o espectador provavelmente também não verá. Uma das principais habilidades de um cinegrafista é imaginar o que o espectador verá na tela, abstraindo do que realmente está acontecendo.

Síndrome da escavadeira ambulante

Se examinarmos cuidadosamente muitos filmes filmados profissionalmente, descobriremos que muitas vezes a câmera no palco vive sua própria vida. Move-se lentamente entre os personagens principais, voa paralelamente à rota de seu movimento, ora ultrapassando, ora deixando-os passar à frente. Normalmente, um iniciante tenta inconscientemente imitar esses vôos, tentando andar suavemente com a câmera enquanto filma algum evento importante. O efeito é completamente oposto ao cinematográfico. Por razões totalmente objetivas, o corpo humano não pode se comparar em termos de suavidade de movimento de uma câmera de vídeo com dispositivos especiais e muito caros, como uma Steadicam, um guindaste de câmera ou um carrinho sobre trilhos. Normalmente, esse vídeo parece ter sido filmado na cabine de uma escavadeira ambulante, esmagando a lama da pedreira a toda velocidade. Em vez de o espectador se abstrair da personalidade do operador, olhando uma cena interessante pelos ângulos mais expressivos, ele, pelo contrário, terá que se identificar constantemente com a personalidade de quem por algum motivo o impede de ver. o que está acontecendo normalmente.

Se você precisar se mover durante a filmagem do vídeo (não confundir com girar a câmera ou aumentar e diminuir o zoom), é aconselhável fazer isso o mais rápido possível. Ao editar, cortar um pequeno pedaço de uma imagem que salta descontroladamente é visivelmente mais fácil do que uma longa tentativa de abordar suavemente um novo ponto com a câmera, e há maneiras de cortar esse fragmento de forma totalmente indolor para o enredo. Se for absolutamente necessário (por exemplo, entrevistar uma pessoa andando), fotografe apenas no ângulo mais amplo possível (afastando-se o máximo possível), então as vibrações não serão tão perceptíveis.

Pegamos a câmera na mão

Ao mastigar bem os alimentos, você ajuda a sociedade

Por analogia com as armas, depois de estudar a parte material e antes de iniciar a filmagem propriamente dita, vamos descobrir como segurar a câmera de vídeo corretamente. Descartemos imediatamente a opção “pegamos a câmera com a mão direita e com a esquerda seguramos um coquetel, um celular, uma namorada, uma coleira com um cachorro”. Se você vai filmar um vídeo dessa forma, por que se preocupar em ler este artigo? Seguramos a câmera com as duas mãos, os cotovelos apoiados no corpo. Geralmente não há alternativa para a mão direita; os fabricantes presumem que ela está convenientemente presa à câmera com uma alça, o botão REC está sob o polegar, a alavanca ZOOM está em algum lugar próximo, talvez o botão de exposição esteja próximo. A mão esquerda geralmente deve apoiar a mão direita ou o corpo da câmera de vídeo por baixo e, se os botões descritos acima (exposição, foco) estiverem próximos, usá-los por toque não deve causar nenhum inconveniente.

Usar a tela pode parecer tentador, porém, aconselho que você preste atenção em alguns pontos importantes:

• Sob luz solar intensa, a imagem será difícil de ver e a correção será impossível. Muitas telas LCD distorcem o brilho e a cor mesmo com um ligeiro desvio do eixo de visualização perpendicular à tela;
• você priva a câmera de outro ponto de apoio (o visor fica apoiado na sobrancelha, para uma câmera amadora leve essa ajuda na estabilização é muito significativa);
• Romper essa tela durante uma reunião em massa de pessoas não é nada difícil;
• pessoas curiosas que desejam olhar para a tela por cima do ombro podem interferir significativamente em seus movimentos.

A tela é algo indispensável ao usar a câmera em ângulos fora do padrão (levantar a câmera acima da cabeça no meio de uma multidão, agachar-se e tirar a foto de baixo, etc.), mas você não deve usá-la o tempo todo.

Você deve certificar-se imediatamente de que apenas as informações que você realmente precisa sejam exibidas no visor da câmera, mas você só pode decidir quais delas você precisa e quais não precisa com a prática. Aconselho você a desligar imediatamente o sinal sonoro no menu da câmera ao iniciar/parar a gravação, se for se envolver seriamente na gravação de vídeo, isso servirá para maior concentração de atenção e, por outro lado, não será dê um motivo desnecessário para envergonhar a pessoa que você está filmando. Ao mesmo tempo, apague a luz vermelha sob a lente (se houver).

Aprendendo a enquadrar corretamente

Os quadros decidem tudo!

A palavra “moldura” já apareceu diversas vezes neste artigo, e agora chegou a hora de falar sobre o conceito de moldura. Na videografia, essa palavra possui diversos significados, que variam dependendo do contexto de seu uso.

1. Um quadro é uma imagem que é visível na tela.
2. Um quadro é um trecho de vídeo gravado em uma única tomada, desde o momento em que a câmera é ligada até o momento em que a câmera é desligada com o botão REC. Outro termo que pode ser usado neste sentido é “cena”.

No momento estamos falando de um quadro especificamente como uma imagem visível na tela. O objetivo desta parte do artigo é aprender a tirar fotos corretas e expressivas para que a qualquer momento da gravação do seu vídeo o espectador veja uma imagem que não cause desconforto interno pelo fato de ter sido mostrada incorretamente. As leis do enquadramento - a construção correta de um enquadramento - foram descobertas muito antes do advento da fotografia e do cinema. Os descobridores dessas leis foram os arquitetos e pintores das primeiras civilizações conhecidas pela humanidade.

As leis do enquadramento adequado são estranhas às tendências da moda, a todos os tipos de novas visões sobre a arte e assim por diante. As leis do enquadramento correto são as leis da psicologia da percepção humana, inerentes a nós por natureza, portanto não se deve procurar uma razão para a inovação onde não existe e não pode existir.

O centro da tela, que não deve ser tocado, mas deve ser considerado

Vejamos a tela. As câmeras de vídeo geralmente oferecem ao usuário uma escolha de duas opções - filmar em um formato com proporção de 4:3 (esse material é adequado para exibição na televisão) ou 16:9 (conveniente para visualização em painéis de plasma modernos, etc. ). O que atrai involuntariamente a atenção em qualquer quadro? Não é necessário tentar surpreender ninguém com uma resposta original: os psicólogos já resolveram esse problema há muito tempo. Uma psique humana adequadamente estruturada em uma moldura sempre estará interessada em seu centro.

Isso significa que todos os objetos interessantes no quadro devem ser colocados no centro? A resposta será incomum.

Não, os objetos principais do quadro não podem ser colocados no centro! Eles colocarão muita pressão em nossa percepção e criarão desconforto. No entanto, a direção do movimento no quadro, a direção de visão (dos assuntos principais) deve ir da borda para o centro.

Sobre o conceito de “sempre”, “impossível” e outras afirmações dogmáticas neste artigo

Não há nada proibido ou impossível na arte. Portanto, deve-se criticar as palavras “sempre”, “nunca”, “apenas”. Normalmente devem ser lidos como “para alcançar o efeito desejado”... (doravante o mesmo categórico “impossível”, “sempre”, etc.).

Portanto, afastemos-nos da narrativa de forma categórica e observemos que quebrar as regras também cria um sentimento no espectador. Conforme observado acima, colocar o objeto no centro da tela cria desconforto. Ao usar corretamente a violação das regras, podemos criar a atmosfera desejada do que está acontecendo na tela. Quer dar ao espectador a sensação de estar sob o olhar severo de um investigador? Posicione o rosto do investigador diretamente no centro da tela de modo que ele olhe diretamente para a ponte do nariz do observador. Não abuse dessa técnica, mas tenha-a em seu arsenal. Portanto, colocar o assunto diretamente no centro do enquadramento cria desconforto.

Apesar da expressão bastante neutra e até mesmo amigável em seu rosto, você deverá sentir algum desconforto. Atavismo inerente a nós por natureza: um olhar direto é uma expressão de ameaça. Não entenderemos a natureza desse fenômeno; basta observar uma matilha de cães, macacos ou “avôs” de quartel para entender que o fenômeno existe, e devemos levar esse efeito em consideração em nosso trabalho.

Agora vamos experimentar a linha de visão, não deixando que ela cruze o centro da tela.

Ei o que está acontecendo? Para onde a garota está olhando? Ao mover a direção da visão para além da tela, criamos tensão e expectativa no espectador. Na cena seguinte justificamos a expectativa do espectador mostrando que a menina estava acendendo uma lamparina no chão.

Ao violar as regras de percepção confortável do psiquismo humano, os profissionais criam um chamado “sotaque”, ou seja, um lugar na narrativa onde é possível alterar o ritmo e a forma de apresentação; aumentar a tensão antes de um evento repentino. Se seus vídeos não envolvem choque no espectador, uma mudança brusca de ritmos e humores, é melhor não infringir as leis, você verá, elas mesmas serão infringidas, sem a sua participação :)

A regra da "seção de ouro"

Outra regra que decorre diretamente do “Ensino do Centro da Tela”. Onde os objetos devem ser localizados, senão no centro da tela? A resposta vem desde tempos imemoriais, quando arquitetos e pintores descobriram a Proporção Áurea. Olha a foto:

Cada linha que atravessa a tela a divide em duas partes. Além disso, uma das partes tem exatamente o dobro da área da outra. Duas linhas verticais e duas horizontais, quatro pontos de intersecção. Você quer que suas fotos não causem rejeição psicológica no espectador (não importa o que esteja retratado nelas)? Tente colocar os objetos principais ao longo dessas linhas e pontos, tendo em mente as vistas e os movimentos.

1/3 e 2/3 são usados ​​como números fáceis de lembrar, muito próximos da “proporção áurea” na versão de proporção harmônica; uma definição mais precisa (não relacionada a este artigo) não é difícil de encontrar por conta própria.

A capacidade de encaixar os objetos principais na “proporção áurea” é uma das artes que um cinegrafista deve dominar. Observe que para praticar a construção da “Proporção Áurea” você não precisa olhar constantemente para o visor da câmera; você pode praticar a qualquer hora e em qualquer lugar, simplesmente imaginando como enquadraria as fotos que vê à sua frente todos os dias, todos os dias. vida. Lançar mentalmente a grade da Proporção Áurea sobre qualquer cena lhe dará um bom treino.

Durante a filmagem, você frequentemente encontrará situações em que (por vários motivos) o assunto principal começa a sair do quadro. Agora ele violou as proporções da proporção áurea, agora já está no limite... O que fazer? Se você está filmando uma partida de futebol, então a resposta é óbvia, tente driblar a bola e o grupo de jogadores ao seu redor e ainda mais, normalmente as competições são filmadas para que o espectador saiba exatamente quem, em que segundo, com qual pé. .. etc Se algo importante acontecer nos bastidores (quanto tempo leva para marcar um gol?) - é claro, o valor do seu chute diminuirá imediata e drasticamente. Mas estamos falando de fotografia artística? Então pense bem: uma cena em que o herói corre até a borda do quadro, então o espectador vê o movimento convulsivo do cinegrafista para impedi-lo de “escapar”... Minha (e não só minha) opinião é que a cena adequada para ser admirada já terminou, e naquele momento em que o herói cruzou a fronteira não do quadro, mas apenas destruiu sua composição. O que fazer? Exatamente no momento da destruição da composição? Se você não conseguir ajustar o quadro de maneira suave e discreta para o visualizador, você terá duas opções:

• filme a próxima cena, onde os personagens são novamente incluídos no corte transversal. Além disso, o próximo quadro deverá “pegar” o objeto justamente no momento em que ele começou a “quebrar” a beleza do anterior com seus movimentos. Talvez a próxima foto precise ser feita não imóvel (caso contrário, a pessoa irá piscar no quadro novamente e capturá-la uma terceira vez), mas imediatamente definir um movimento panorâmico da câmera para admirar a boa foto por mais tempo. A moldura que se deseja unir à anterior, além de ser esteticamente bonita, deve atender a diversas outras condições, que serão discutidas a seguir. Mas resumindo, deve ser diferente do anterior, mas para que a diferença não atinja muito os olhos. Continue lendo e tudo ficará claro;
• permitir que os personagens principais saiam do quadro. Você não deve acompanhar constantemente a câmera com todos os movimentos de personagens ou objetos importantes. Deixe os heróis saírem de cena às vezes. Além disso, a cena não deve terminar no momento em que a pessoa já está ali com um pé, nos bastidores. Somente depois que o objeto desaparecer completamente da tela, pegue o próximo quadro.

Ao filmar uma reportagem, quando não há uma ordem fixa de filmagem e você não pode exigir que a cena seja repetida, você terá que pensar constantemente em como compensar uma mudança inesperada na composição do quadro que você não previu. Durante a filmagem encenada, é claro, você simplesmente terá que repetir a cena, mas e se isso não for possível? Se você não é apenas um cinegrafista, mas um cinegrafista - ou seja, uma pessoa que faz um produto de vídeo completo, então a busca constante por soluções nesta área irá acompanhá-lo constantemente em seu caminho criativo. Deixar o objeto fora de vista, acompanhá-lo ou procurar com urgência o próximo quadro - a escolha é sua.

Publicação: ixbt.com

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