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Oficina de montagem para profissionais

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 Comentários do artigo

Qual é a coisa mais difícil de ver na tela? Claro, visualização de conceitos abstratos. Como transmitir o sentimento de amor e ódio, felicidade e tristeza...? Mas você tem que lidar com isso o tempo todo.

O workshop proposto foi concebido para ajudar a encontrar a solução para tais problemas. Devo avisar desde já que o domínio da edição por si só não é suficiente aqui. Sem calcular cada quadro, sem um plano, será possível montar, na melhor das hipóteses, algum tipo de abstração comentada pelo texto. Mas este texto também não servirá como ilustração: por isso foi escolhido. A menos que o relógio na mesa não possa ser evitado. Um texto tão abstrato terá de ser resolvido apenas através de associações e imagens.

Sim, devo avisar: este texto nada tem a ver com metafísica, religiões, etc. regiões. Este é um trecho da obra puramente filosófica de A.F. Losev “Dialética da Forma Artística”. Portanto, a iconografia religiosa irá claramente contra o significado do texto dado pelo autor (e, portanto, destruirá a fita).

Então, a oficina: leia o texto, grave e edite um vídeo que corresponda e revele exatamente o significado do texto, e expresse-o.

Tente não usar nenhum especial. efeitos. Talvez o mixer 2-3 vezes.

Mas, mais uma vez, relembro: esta é uma tarefa para profissionais. Você pode? :-)

"Ainda não sabemos de nada e não aprovamos nada. um. O que exatamente é este não é importante, uma vez que tomamos exatamente categoria um, que é o mesmo em todos os lugares, em todas as coisas. Aqui obtemos, em primeiro lugar, a unidade pura, que como tal é indistinguível e é uma singularidade absolutamente indivisível. Pegue este relógio em cima da mesa. Embora de fato eles consistem em muitas partes, mas significado são uma espécie de singularidade, não mais divisível por mais nada. Considere agora todas as coisas que compõem o mundo. O pensamento exige que sejam, antes de tudo, algo indistinguível como um, uma singularidade, para que tudo o que nele existe se funda num superexistente, na primeira unidade, que é uma individualidade e uma continuidade que não é mais divisível em nada. . Se considerarmos o ser como um todo, então não há nada de que ele possa diferir e, portanto, não tem limites; isso significa que está acima dos limites, acima do esboço, acima do significado, acima do conhecimento, acima do ser. Tal é a singularidade do mundo como um todo, tal é a singularidade de cada coisa individualmente. (em relação a partes individuais de uma coisa). Então, o início da dialética - impensável, acima da concebibilidade, singularidade absoluta, que não é nem isto, nem isto, nem aquilo, nem qualquer coisa separada, mas a potência de todas as coisas e categorias.

No entanto, permanecer na base de uma essência impensável, existencial superior, apenas potencialmente determinável, significaria cair no agnosticismo metafísico, na doutrina dualista “das coisas em si”. O pensamento, exigindo a princípio o impensável, exige imediatamente suposições este, requer sendo Este. Um não está mais lá um, Isso é também tem. Quando há apenas uma coisa um e - nada mais, não é um e não é nada, pois não difere de nada. Mas aqui está uma coisa tem um um há. O que isso significa? Isso significa que ele se diferencia dos demais, se delimita dentro de suas fronteiras, se torna alguma coisa, determinado por, compreendido, formalizado. A partir de agora, não é apenas indivisível, mas também um conjunto separado, porque aceitou uma fronteira. Recebeu um esboço e, portanto, compreensão. Tornou-se algo definido e, portanto, ser. Esta é a singularidade que se dá como uma pluralidade separada”.

(Losev A.F. Dialética da forma artística. Coleção. Forma - Estilo - Expressão. M, "Pensamento", 1995, p. 10-11)

Bem, você gosta de um texto puramente filosófico? :-))

Concordo, vale muito a pena filmar algo assim e encontrar a solução de um diretor e cinegrafista para esse problema. Talvez você corra um risco?

Sinceramente, se eu tivesse dinheiro para os prêmios, anunciaria um concurso para a melhor solução.

Boa sorte a todos!

Faça um pequeno esboço: fotografe e edite em pelo menos 10 planos, cada um com pelo menos 5 segundos de duração, a ação mais simples: uma pessoa se aproxima de uma estante, escolhe um livro, pega-o e senta para ler - ponto final.

Resultado: um espectador despreparado deve ser Curiosamente isso é um visual (acredite, é bastante realizável). O resultado é verificado na parte inferior. E colegas avançados, mas amigáveis, irão ajudá-lo a encontrar “erros”.

Deu certo:

1. Levar em consideração a edição dos planos no processo de redação de um plano de enquadramento (e sem ele não será possível filmar corretamente) e, claro, durante as filmagens.

2. Atenção aos mínimos detalhes da ação, detalhes. E não apenas O QUE, mas também COMO uma pessoa faz.

3. A montagem por movimento está sendo trabalhada - a limpeza e a precisão da colagem.

4. Precisão do acento de montagem.

5. Proporcionalidade dos ritmos intraframe e edição.

6. Atenção aos principais tons de luz dos quadros e sua compatibilidade na edição.

7. Experiência em filmar montagens e episódios encenados com personagem documental (ou seja, não ator).

8. Construir a extensão do enredo e prender a atenção do espectador usando meios puramente de edição e filmagem.

E muito mais

Algumas dicas:

• Preste muita atenção ao plano do quadro, não se limite à primeira opção - geralmente é a pior. G. A. Tovstonogov gostava de repetir que a 1ª opção que me veio à cabeça foi um selo, a 2ª foi um anti-selo, uma solução interessante para ficar entre as opções 5...20;
• não contrate um ator. Um bom reproduzirá tudo em um quadro (o que temos a ver com isso então?), e um ruim arruinará a ideia mais engenhosa. Portanto, também não force seu babá a jogar. Basta dizer a ele: “venha até a estante”, “estenda a mão”, “lembre-se de algo agradável”, etc.;
• Você não deveria fazer um vídeo dessa história: antes de “toscar ovelhas”, é melhor “cultivá-las” primeiro. Afinal, isto é um workshop. Portanto, há restrição quanto à duração mínima do plano;
• Durante a instalação, monitore cuidadosamente as fases do movimento. Ao colar por movimento, é necessário liberar vários frames, caso contrário o gesto na tela “se contorcerá” de forma desagradável. Curiosamente, com uma sincronização de fase precisa, surge uma sensação de “movimento de retorno” - afinal, visualmente o momento da mudança de quadro é percebido como um tempo perdido. Quantas fases liberar depende do ritmo do andamento intraquadro;
• Não sobrecarregue o enredo com música. Os ruídos costumam ser muito mais interessantes e informativos. E ainda mais figurativamente;
• Não espere um resultado decente na primeira vez. Faça 3...4 opções (e não só de edição - pode haver mais);
• Antes de fotografar, releia tudo o que encontrar na edição.

Este workshop é uma continuação direta do anterior.

Soe o esboço anterior em pelo menos 3 versões, tentando criar uma sensação, atmosfera e até gênero completamente diferente com a imagem sonora. Naturalmente, não estamos falando de “encher” tudo com uma ou duas musas. tópicos. Tente criar imagens sonoras ricas que expandam e até invertam o significado da ação que ocorre no quadro - este é um caminho direto para a edição vertical e posteriormente para a edição de atrações. Por exemplo: romantismo, história de detetive, solidão... (adicionar a gosto).

É improvável que seja possível usar menos de duas faixas - afinal, deve haver um sopro geral da atmosfera, e sons síncronos, e acentos, e o que está acontecendo (soando) naquele momento fora do quadro... Mas qualquer O complexo de edição linear médio tem pelo menos 2 caminhos fornecidos. Você também pode (afinal, não estamos transmitindo) misturá-los em uma fita em cima da outra e depois adicionar 3-4. Bom, e se você tem um “não-linear” em mãos...

É verdade que um senso de proporção é bom em tudo: uma imagem sonora ruim não dará nenhum efeito, será enfadonha, e uma supersaturação com som também pode desfocar o significado da sequência de vídeo ou, com igual ênfase na ênfase , transforme-o em um rufar de tambores. Portanto, a seleção dos sons deve ser extremamente significativa e precisa.

Resultado: um espectador despreparado, novamente, deve ser Curiosamente isso é algo para observar, mas ele deve perceber todas as três tramas de maneira diferente, ou seja, leia sua ideia, enredo e significados de maneira diferente. Se possível, pelo menos um deve ser trabalhado com um engenheiro de som profissional.

Deu certo:

1. Levar em consideração combinações de sons diversos e seu impacto na percepção do espectador.

2. Organização da atmosfera do episódio por meio da trilha sonora.

3. Formas de criar “profundidade” de ação, eventos, ampliando o quadro do quadro com som de narração, evitando a “pobreza” de especificidades de pessoal.

4. Precisão e inteligibilidade da acentuação sonora.

5. Proporcionalidade dos sons intraframe e offscreen, suas tonalidades e ritmos.

6. A extensão da linha sonora e o uso do som para realçar o drama e prender a atenção do espectador.

7. Abordagem ao desenvolvimento audiovisual integral do episódio e, posteriormente, da imagem na tela.

E assim por diante

Esta prática ajuda a realmente passar da “voz” para o trabalho com o som como um elemento de tela completo, para fazer com que o meio mais poderoso de controlar a percepção e a atenção do espectador funcione por si mesmo.

Algumas dicas:

• Trabalhe tudo primeiro no papel. Sim, 80% do trabalho de filmagem e edição acontece em uma mesa. Muitas gerações de estudantes rebelaram-se contra esta afirmação, mas é verdade e deve ser aceite. Como? Basta lembrar que ganhamos dinheiro não pela tecnologia, mas por uma cabeça inteligente (e isso é mais agradável, né?);
• não inicie 2 sons ao mesmo tempo: isso geralmente faz com que ambos fiquem “turvos” e seu significado se torne obscuro;
• Vários sons não podem ter o mesmo nível (volume) ou similar. Sempre há uma coisa sobre o sotaque;
• a coincidência do início do som com a colagem dá um sotaque poderoso. A recepção é poderosa. Mas é sempre necessário?
• Novamente, não espere resultados decentes na primeira vez. Faça 3...4 opções;
• Antes do trabalho, releia tudo o que encontrar sobre edição e som no cinema e na TV (não há diferença fundamental).

O nome deste workshop realmente não combina com a tecnologia de vídeo, mas vou chamá-lo da mesma forma que há quase 20 anos, quando o criei para mim - “Cesta”.

A essência do exercício era chegar à sala de edição depois do trabalho, retirar da lata de lixo (não da lixeira!) os restos de filme que não foram incluídos na edição e tentar compor algo significativo a partir desses quadros. Certa vez, um curso inteiro era feito dessa forma, com conteúdos muito dissidentes.

Mas o que nos impede hoje de substituir fragmentos de filme por imagens, por exemplo, de uma fita cassete de 180 minutos, na qual as notícias são filmadas consecutivamente? Afinal, a tarefa é criar um enredo que nunca filmei. É claro que organizar um dos cinco jogos de futebol não é um workshop. E claro, todas as possibilidades da trilha de áudio também estão em suas mãos.

Tempo - qualquer. A principal condição é que o tema e a ideia do enredo sejam compreensíveis para o espectador médio e, novamente, mantenham a atenção, ou seja, falta de tédio.

E a oficina é boa. Não é à toa que os verdadeiros luminares do cinema não desprezaram as esquetes - afinal, a abordagem ali é absolutamente a mesma.

E nenhuma filmagem adicional. A menos que o resultado supere as expectativas e seja digno de transmissão, mas 2-3 quadros claramente não são suficientes ou não são suficientemente inteligíveis. Mas esta não é mais tarefa de uma oficina.

E ao mesmo tempo, tentemos, pelo menos uma vez, por uma questão de experiência, ser pacientes e percorrer o caminho do trabalho de edição do diretor com profissionalismo, competência e até o fim.

Então, pegamos qualquer arquivo, quanto mais diversificado for em conteúdo, locais de filmagem, temporadas, etc., melhor. Afinal, é muito mais difícil, mas também mais interessante, encontrar uma bela transição do inverno para o verão, e sem usar misturadores, cortinas ou outros efeitos especiais. Um pré-requisito para este workshop é que trabalhemos somente em colagem direta.

E escrevemos a história.

Deu certo:

1. A relatividade do conteúdo do quadro - afinal, cada vez seu significado específico depende da frase de edição em que está incluído.

2. Organização do evento e dramaturgia por meios puramente de montagem.

3. A capacidade de ver por trás das especificidades do quadro todo o seu “som”, tanto semântico quanto tonal, harmônico.

4. Levando em consideração o ritmo da ação intra-quadro, tonalidade da luz, composição, direção do movimento e outros elementos em vários quadros.

5. Levar em consideração o estilo de filmagem do cinegrafista (se o cinegrafista é bom, o ruim se caracteriza pela ausência de qualquer estilo).

6. Uma abordagem criativa para usar o arquivo de estúdio (pessoal) é uma habilidade necessária especialmente para diretores e editores de pequenos estúdios que não têm a oportunidade de filmar tanto tempo quanto necessário.

7. Desenvolvimento da imaginação criativa e capacidade de variar qualquer material dependendo do plano.

8. Introdução ao “material comprometedor” na tela - nem todo quadro caberá em qualquer frase de edição e terá o significado que o autor deseja atribuir a ele. A capacidade de “ouvir” o significado de uma moldura e ver a possibilidade de sua reversão, não para quebrar a estrutura do material, mas para segui-la revela sempre a mão de um profissional sério.

E assim por diante ...

Algumas dicas e plano de trabalho:

• olhe o material de origem e alguns frames várias vezes, depois deixe-o de lado e (para alguns levará uma semana, para outros 2 horas, mas neste momento é melhor não olhar para a tela) formular um tópico (ou seja, problema) e uma ideia (ou seja, seu maneira de resolver o problema). E deve estar no papel. A memória é um repositório pouco confiável para ideias brilhantes. A propósito, formulado com precisão no papel o pensamento tem a chance de chegar ao espectador. Você já percebeu como pode ser difícil escrever de forma breve e clara até mesmo algo que parece “já claro”? É por isso que toda direção formula seus planos no papel;
• quando o tema e a ideia estiverem determinados, observe novamente todo o material selecionado para edição e (ah, esta escrita!) anote cada um dos planos selecionados em um cartão separado: conteúdo do quadro, tempo, tamanho, tonalidade e outras composições importantes detalhes para você neste quadro. Como exatamente? De qualquer forma, não há receitas aqui. A única coisa importante é o que o ajudará a lembrar dessa cena ao olhar para o cartão e a levar em consideração seu lugar na futura frase de edição. Às vezes basta escrever "00.10.15. Quadrado vermelho, o cachorro olha para a câmera, 7 segundos.", e às vezes o 2º lado também é gasto descrevendo os detalhes;
• Agora nos sentamos à mesa e jogamos paciência - uma atividade que não é menos emocionante do que jogar paciência. Ao reorganizar as cartas, coletamos frases de montagem, delas - episódios e por fim toda a trama. Claro, isso pode ser feito em um editor de texto em um computador, mas, como mostra a experiência, as sensações táteis dos cartões não só conferem a esse processo um encanto especial, mas também têm um efeito benéfico na imaginação. (Adotei a técnica das cartas certa vez do brilhante diretor de documentários Yu. A. Schiller. E se diretores mundialmente famosos não desdenham tais técnicas, então seria um pecado não aprendermos técnicas úteis com eles);
• quando o “solitário” termina, verificamos o resultado de acordo com o final, ou seja, olhamos tudo desde o final, removendo frames desnecessários ou substituindo-os - uma forma muito eficaz de verificar, aliás, também os scripts;
• decidimos a trilha sonora: escrevemos os números dos cartões em uma folha separada e marcamos o que e como soará neste local.
• Agora - para instalação! Os papéis estão à mão, mas cada ideia de colagem inventada à mesa é testada pela prática. E aqui mesmo uma frase de montagem brilhantemente pensada muitas vezes tem de ser remodelada para se adequar à realidade de tomadas específicas, ou mesmo uma nova solução tem de ser inventada. Afinal, nosso paciência não é um dogma, mas apenas um plano de solução de instalação;
• e, novamente, não espere um resultado decente na primeira vez. Seja minucioso como nenhum outro trabalho no ar. E com tal atitude, você terá que voltar à sua mesa mais de uma vez.

Selecione e edite as tomadas, selecionando-as de acordo com o desenvolvimento da primeira e depois de várias dominantes ao mesmo tempo. Por exemplo, uma transição gradual de quadros azuis para quadros vermelhos. Ou de um contorno vertical pronunciado para um horizontal. Neste caso, é importante cumprir 3 condições:

1. As molduras devem ser montadas em tamanho, ângulos, etc.;

2. para o espectador, a transição deve ser orgânica e imperceptível;

3. o dominante escolhido deve desenvolver-se dramaticamente, ou seja, tem início, desenvolvimento, clímax, virada e desfecho.

Também trabalhamos aqui somente em colagem direta, sem mixer e efeitos especiais. E compomos um enredo, mesmo que apenas visual.

Algumas dicas:

• para começar, tome alguma característica pronunciada como dominante;
• selecione quadros que correspondam ao gráfico e contenham esse recurso. A primeira experiência pode ser puramente formal, mas a partir da 2ª ou 3ª é melhor agarrar-se simultaneamente a algum tipo de enredo ou pelo menos tarefa atmosférica;
• Sentamos à mesa e jogamos paciência. Neste caso é importante marcarmos nas cartas a dominante que será trabalhada;
• tente construir o primeiro esboço de forma que o dominante apareça no 1º quadro, por exemplo, como um pequeno ponto azul, então a cor azul preenche cada vez mais a tela de quadro a quadro, mas cerca de 2/3 desse preenchimento no vermelho já aparece uma mancha que desloca gradativamente a cor azul. Ao mesmo tempo, é desejável que a dinâmica esteja presente não só no tamanho, mas também na saturação dos pontos de cor;
• Não pare com sua primeira experiência. Faça uma dúzia desses esboços - podem ser apenas frases de montagem de 5 a 10 quadros - cada vez tomando um novo elemento como elemento dominante.
• Assim que você se sentir confiante, comece imediatamente a usar essa técnica em seu trabalho. Afinal, o objetivo final dos nossos exercícios é integrar a “escola” no trabalho profissional diário.

Boa sorte! Com uma implementação cuidadosa e uma abordagem séria ao workshop, o profissionalismo aumenta eu garanto.

Este workshop permitirá que você resumir o treinamento de edição completando uma tarefa nada trivial: montar um enredo coerente a partir de enredos prontos de workshops anteriores. Aqueles. a trama do “Leitor”, que é tomada como base, está de alguma forma ligada às tramas da “Cesta” e da “Montagem Dominante” em um único todo. O método depende apenas do conteúdo de suas tramas, planos e imaginação.

Condições obrigatórias: uma lógica interna rigidamente construída para o desenvolvimento de toda a trama, conexões associativas interepisódios bem estruturadas, unidade estilística. E claro, o trabalho é apenas em colagem direta, sem misturadores e efeitos.

Difícil? Sim. Mas eu garanto - é bastante viável.

E então, quem disse que dirigir é mais fácil do que, digamos, física atômica?!

Sobre a fantasia: um movimento direto que se sugere é integrar enredos como imagens ou memórias de um herói lido em um livro. Mas esta é a primeira camada, que se encontra no reino da banalidade. Ainda assim, vale a pena imaginar e encontrar um movimento verdadeiramente original. Afinal, este não é mais um problema técnico, mas um verdadeiro problema criativo que requer uma solução adequada. Mas é por isso que este workshop é valioso.

E uma última coisa. Claro, antes de iniciar o primeiro workshop, a maioria de vocês os leu até o fim. Mas tente de qualquer maneira, embora isso idealmente não seja viável para a psique humana, fazer cada exercício sem focar no resultado final do workshop nº 5. Caso contrário, será um jogo de entrega consigo mesmo.

Autor: A.Kaminsky; v-montaj.narod.ru

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