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LIVROS E ARTIGOS Tudo sobre edição de fotos
Se os quadros foram filmados em um só lugar e ao mesmo tempo, isso não significa que o espectador os perceberá como elementos de uma única cena. Algumas molduras se encaixam facilmente, enquanto outras podem ser completamente incompatíveis. A arte da montagem, em particular, é garantir que a cena, o episódio e todo o filme se desenvolvam de maneira suave, sem solavancos ou saltos. Se você seguir certas regras de coordenação, aplicando-as individualmente e em combinação, poderá unir os quadros da cena para que sejam percebidos pelo espectador sem colagem, formando um quadro de edição. Com esse tipo de edição, não há necessidade de usar zoom com frequência para destacar um elemento importante da trama e você pode escolher apenas imagens que tenham sucesso na composição; a cena em si e todo o filme parecerão mais naturais e profissionais. O plano de edição encurta significativamente a duração da cena, aumentando o dinamismo da narrativa. Consideremos as principais regras para a construção de um quadro de edição, que será útil para a edição e demais elementos estruturais do filme. Alternância de planos de close-up. Se a escala de um objeto em quadros adjacentes mudar em um ponto ou menos, o objeto (herói) parecerá estar saltando de um lugar para outro, mesmo que sua posição na tela tenha mudado ligeiramente. A escala dos objetos distantes muda muito mais lentamente do que a dos próximos, então o ambiente “salta” ainda mais. Os horizontes saltitantes causam uma impressão particularmente desagradável. Se a escala do objeto mudar drasticamente (mais de 4 vezes), o espectador perderá completamente a orientação e levará algum tempo para encontrar o herói na tela e restaurar a conexão com o que viu anteriormente. Com tal junção, pode haver uma sensação de mudança no local e no horário dos acontecimentos, e a cena perderá sua integridade. Para quadros adjacentes, pode ser considerado ideal aumentar ou diminuir a escala da imagem de um objeto importante para o enredo em 2,5-3 vezes (a “proporção áurea” dá o número 2,62), ou seja, em duas etapas ou através do tomada. Para evitar que os objetos ao redor saltem, você precisa alterar o ângulo de visão do objeto ou o ângulo de disparo para 45°. É melhor preservar a posição da linha do horizonte ou, pelo menos, não destacá-la explicitamente em um dos quadros adjacentes. É bastante aceitável alternar entre fotos detalhadas e em close-up, já que o ambiente aqui é exibido fora de foco. Você também pode combinar planos longos e longos, pois neste caso a mudança de escala é difícil de atribuir à imagem do herói, que se torna proporcional ao tamanho do ambiente, mas aqui também é melhor mudar o ângulo de visão . É indesejável aumentar gradualmente e depois diminuir (ou vice-versa, diminuir e depois aumentar) a escala da imagem de um determinado objeto no mesmo quadro de edição. Parece antinatural e pouco profissional. A mesma impressão é causada pelo uso de zoom in e out sequencial com uma câmera ou zoom no mesmo personagem. É melhor separar esses dois procedimentos com uma moldura que mostre o entorno. Coordenação por direção. Os quadros adjacentes devem ser consistentes na direção do movimento dos objetos na tela; se um objeto se move da esquerda para a direita e no próximo quadro vice-versa, o espectador pode ter a sensação de que são duplos correndo um em direção ao outro. Se um jogador de futebol chutar a bola da esquerda, no próximo quadro o gol do adversário deverá estar no canto direito da tela. Assim, o objeto nos quadros adjacentes deve se mover para o mesmo lado da tela, e para mostrar o movimento em direção aos personagens são direcionados das diferentes bordas dos quadros correspondentes para o centro. Se os personagens forem representados movendo-se do centro da tela para as bordas, isso será percebido como uma discrepância. Depois de fotografar dos lados esquerdo e direito de um carro em movimento na rua, os edifícios se moverão para lados opostos da tela; Para coordenar esses quadros, você precisa inserir um quadro separador entre eles, por exemplo, um quadro com vista conforme você avança ou retrocede. Ao fotografar um panorama, é necessário fazer peças estáticas no início e no final, para que no futuro não haja problemas de junção no sentido panorâmico. Os quadros adjacentes devem ser coordenados não apenas na direção do movimento, mas também na direção do olhar ou gesto do personagem, vetor de golpe ou força, etc. os esforços conjuntos da equipe que puxa a corda devem ser direcionados para o mesmo lado do tela. Para mostrar o confronto, a direção do olhar dos personagens em quadros adjacentes deve ser voltada em direções opostas. E nos diálogos, os personagens em quadros alternados devem olhar para o centro a partir de diferentes bordas da tela. A regra geral de consistência é que quando o ângulo de movimento (ou ação) muda em quadros adjacentes em menos de 90°, a direção é percebida como inalterada ou consistente. Uma direção com um ângulo superior a 90° é percebida como contrária ou oposta. A natureza da mudança de direção de 90° não está determinada. Neste caso, a moldura pode servir de separador caso surjam dificuldades de coordenação. "Oito". Um caso particular, mas muito importante, de coordenação direcional é o chamado “número do oito”. Quando em quadros adjacentes, a câmera gira em direções opostas. Os interlocutores (rivais) são mostrados uns sobre os ombros dos outros. Se uma pessoa for filmada por trás do ombro direito de seu interlocutor, a segunda deverá ser mostrada por trás do ombro esquerdo da primeira. A escala das imagens dos personagens deve ser igual e grande o suficiente. O rosto deve estar em foco, e é melhor deixar o ombro da contraparte fora de foco. No momento, você pode mostrar o rosto do parceiro que pronuncia as palavras (exceto para comentários curtos), mas seria útil filmar a reação do ouvinte ao discurso ouvido. Basta exibir o ombro ou a nuca do interlocutor apenas na primeira vez; então isso não é necessário, pois a monotonia rapidamente se torna enfadonha, assim como a alternância de quadros com muita frequência. Não há necessidade de fazer closes, é melhor delimitá-los com imagens do ambiente. Ao fotografar o palestrante e o público (o artista e o público, o brinde e os convidados à mesa), há uma diferença de pontos de vista, um mais elevado que o outro. Portanto, em quadros adjacentes, é aconselhável aplicar brevemente uma inclinação (ângulo) da câmera: mostrar os ouvintes do ponto de vista superior, o locutor - do ponto de vista do ouvinte sentado abaixo. Filmar pessoas a longo prazo com a câmera inclinada é indesejável, basta filmar apenas um de cada par de quadros em ângulo. Para evitar o ponto de vista baixo, você pode recuar e fotografar com uma lente telefoto. Se o alto-falante estiver ligeiramente virado para a esquerda, então os ouvintes devem estar virados para a direita no mesmo grau e vice-versa. "Oito" em quadros adjacentes também é aplicado a um caractere. Para esclarecer a posição do herói no terreno, é melhor fazer com que a escala da imagem na frente e atrás seja a mesma (plano amplo ou geral). E quando o herói sai do palco, na cena seguinte ele é mostrado de frente em um plano maior com uma mudança brusca no fundo; se uma pessoa entrar em um prédio, a próxima foto deverá ser tirada da sala, tendo como pano de fundo uma porta aberta. Usando o “oito” você pode mostrar o entorno da cena, seguir o olhar do herói e mostrar algo que ele viu. Nesses casos, o disparo em ângulo também é usado. Ao instalar o GXNUMX, as seguintes regras devem ser consideradas: 1. Durante a filmagem, a câmera não deve cruzar a linha que conecta os personagens em interação (principalmente a posição de seus olhos) ou ambas as posições do herói, caso contrário o espectador perderá a orientação espacial. O microfone também não deve ultrapassar a linha de interação, caso contrário a estereofonia ficará distorcida; 2. O fundo (ambiente) nos quadros adjacentes muda significativamente, mas alguns objetos devem ser facilmente visíveis de lados opostos para facilitar a localização dos quadros; 3. Se a linha de interação for claramente diferente da horizontal, então um ângulo deve ser usado, e o ponto de vista (ponto de tiro) pode enfatizar a simpatia do autor. Fase de movimento. Ao alterar a escala da imagem ou ao editar o oito, é necessário manter a fase de movimento dos objetos na tela. A precisão necessária depende da velocidade do movimento e muitas vezes não excede 0,1 segundos, o que só é viável com edição em computador. Se a fase não for monitorada, a junta perderá suavidade. Preservar a fase de um único movimento (gesto, expressões faciais, bater na bola, inclinar uma árvore por rajada de vento) só é possível na edição de frames filmados sincronizadamente com duas câmeras, o que raramente é utilizado na prática amadora. Nestes casos, é mais fácil utilizar uma moldura separadora na qual a fase do movimento não seja traçada. É fácil coordenar em fase movimentos que se repetem ciclicamente (passos, pedaladas, malabarismos, passos de dança), pois o número do período sempre pode ser desprezado. É verdade que para isso você precisa ter um estoque desses ciclos para diferentes planos de imagem. É mais fácil fazer uma junta no início ou no final do próximo período de movimento, pois a fase intermediária do ciclo é muito difícil de acompanhar. Os momentos de colocar os pés no chão, levantar os braços ao ponto mais alto, etc., ao olhar para frente ou para trás em câmera lenta, são determinados de forma bastante simples. Correspondência de composição. Para que após o corte do filme o espectador não precise procurar o herói em toda a tela, os frames adjacentes devem ser coordenados pela localização dos detalhes e partes da imagem, ou seja, pela composição. Uma mudança repentina na iluminação ou na cor de uma cena também provoca uma sensação de salto temporal e espacial. Um problema semelhante surge ao combinar quadros tirados por duas câmeras ao mesmo tempo, pois elas podem ter configurações de equilíbrio de branco diferentes. 1. Recomenda-se limitar o deslocamento de um elemento importante para o enredo (centro das atenções) a um terço da largura e altura da tela. 2. A área de grandes áreas escuras ou claras em quadros adjacentes não deve mudar em mais de um terço. 3. Novas cores não devem ser inseridas em mais de um terço da área da tela. 4. A presença de um objeto de fundo comum em molduras adjacentes (canto de uma casa, parte de uma janela, móvel) facilitará a referência espacial. 5. Ao alterar a temperatura da cor da fonte de luz (uma nuvem cobriu o sol), certifique-se de inserir um separador entre os quadros (um quadro com céu nublado). Estrutura separadora. Para conectar frames que não atendem às regras discutidas acima, é utilizado um separador (ou “interrupção”). Entre quadros mal unidos, você pode mostrar um close-up de um objeto de menor importância (por exemplo, um detalhe interior ou o rosto de um motorista ao fotografar paisagens urbanas de um carro) ou pode mostrar os arredores da cena (por exemplo, o pôr do sol ao fotografar uma caminhada noturna). Um efeito de transição adequado também pode ser usado como separador. Planos muito longos, inclusive os de edição, evocam melancolia. Portanto, interrupções também podem ser utilizadas para encurtar a sequência do vídeo; aqui é apropriado inserir arquivos sobre o tema da história. Basta evitar retornos repetidos à continuação do mesmo quadro, bem como qualquer monotonia. Publicação: videomount.blogspot.com
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