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LIVROS E ARTIGOS Usando Planos na Gravação de Vídeo
Sem preparação preliminar (nosso artigo é mais dedicado a aspectos práticos do que teóricos), arriscaríamos dizer que se durante qualquer parte significativa do material de vídeo tivermos que admirar apenas um plano (veja as quatro fotos acima e escolha qualquer 2) - nossos olhos ficarão entediados. No primeiro quadro congelado, queremos olhar mais de perto nos olhos dos personagens e ver o lugar onde eles se olham de maneira tão tocante. No quadro congelado 3 - veja os dedos do estilista flutuando sobre o cabelo da garota, no quadro congelado 4 - veja a noiva completamente vestida de noiva... O quadro congelado XNUMX é incompreensível, quero ver o lugar onde está a vela, o que é acontecendo nas proximidades. Mesmo um vídeo tão específico como, digamos, uma partida de futebol, a equipe de filmagem tenta mostrar não em uma cena geral ou de longo alcance (para não perder os movimentos rápidos e imprevisíveis da bola), mas diversificar constantemente a sequência de vídeo com planos maiores. Os rostos tensos dos jogadores e do técnico são mostrados em situações não críticas, assim como as emoções nos rostos dos torcedores. Se você mostrar a partida inteira de uma só vez, qual será a diferença entre ficar sentado na arquibancada? Falaremos agora sobre quais planos e em que ordem é apropriado mostrá-los ao espectador. Nossa tarefa é tornar o material o mais confortável possível para visualização. Então, primeiro vamos apresentar uma classificação dos planos por tamanho. Não esqueçamos que na grande maioria dos casos a medida de tudo o que acontece no enquadramento é uma pessoa, por isso faremos toda a classificação em relação à pessoa. Então: plano detalhado O que vemos no quadro é o detalhe, o detalhe. Uma mão, um sapato, uma vela ou um botão de fechadura. Muitos cinegrafistas negligenciam esse plano, alguns deliberadamente e outros não. Afinal, para obter essas fotos, você precisa abordar o assunto à queima-roupa ou atirar com uma ampliação suficientemente alta, ou seja, combater tremores nas mãos, prender a respiração, etc. Mas este plano detalhado é necessário.
A primeira ilustração, e não simples ao mesmo tempo. Mas acostume-se, não haverá soluções fáceis em filmagens reais. Os detalhes são mostrados à direita e à esquerda. À esquerda, esse detalhe são pedaços de óculos quebrados, e não as pernas de uma pessoa no fundo desfocado. Foi através da focagem que garantimos que estes fragmentos eram o objeto principal do enquadramento. No segundo quadro, o retrato na xícara não tem outro significado senão estético. Podemos ver claramente que está representada uma xícara, e é esse o detalhe. O vídeo, ao contrário da fotografia, não possui resolução excessiva. Se em uma boa fotografia completa de uma pessoa você de repente quiser olhar a marca do relógio em seu pulso, por favor, absolutamente sem perda de qualidade, amplie a imagem no monitor várias vezes. No vídeo, infelizmente, a resolução da tela não permite isso. Mesmo com um ligeiro aumento usando programas de edição, a imagem perde clareza, fica desfocada e se divide em pixels individuais. Se você acha que precisará de detalhes para contar a história de um evento por completo, fotografe os detalhes. Tais planos. Tais planos são especialmente importantes para uma pessoa cujo tipo sociônico pode ser considerado uma pessoa sensorial, ou seja, acostumada a tocar e sentir tudo. Compreender a textura do material permitirá que esses espectadores mergulhem mais profundamente no que está acontecendo na tela. Fechar-se Onde estaríamos sem close-ups? É neles que residem as emoções, a expressão do olhar. Você pode olhar nos olhos de uma pessoa e ver muito. Se você escolher uma pessoa como critério, em close o rosto ocupa toda a tela. É possível ver parte do pescoço, gola, mas não o peito. Este plano é adequado para pessoas cujo tipo sociônico pode ser descrito como ético. Emoções e sentimentos são importantes para uma pessoa. E não temos o direito de privá-lo disso.
Para tirar essa foto, você não deve aproximar a lente do rosto, é melhor (dentro de limites razoáveis) usar a ampliação. Ao fotografar à queima-roupa em grande angular, o rosto da pessoa fica ainda mais alongado em direção à câmera e as características faciais ficam distorcidas. O caso mais grotesco - lembre-se da vizinha de Shpak, quando Ivan Vasilyevich olhou para ela pelo olho mágico da porta (já que estamos “de plantão” - não faria mal lembrar daquele momento do filme “Hot Shots”, quando uma cruz O cadete de olhos nas fileiras olha à queima-roupa para o sargento malvado que o repreende). Claro, filmar tal plano também é bastante difícil. Uma dificuldade particular para um cinegrafista amador, ou mesmo profissional, mas que trabalha no gênero reportagem (quando é difícil usar um tripé, por razões bastante objetivas) são duas coisas - o tremor natural das mãos, que afeta ao fotografar com qualquer ampliação perceptível , e que mesmo um leve movimento da cabeça ou dos ombros do sujeito é suficiente para que o enquadramento se perca. E lembramos que mostrar tal quadro por menos de cinco segundos, com raras exceções, é inútil. A classificação dos planos de que vos falamos não é invenção nossa, toda a escola nacional de cinema e televisão se baseia nela. Porém, existe outra classificação de planos, por exemplo, Hollywood. Existe um plano como “retrato”, “metade”, “leite”, “geração”. A base é a mesma aspereza, mas as etapas de gradação, como vemos, são ligeiramente diferentes. Não nos deteremos nisso em detalhes, apenas observaremos que esses planos não são tão óbvios quanto o seu nome parece indicar. Se você decidir ler obras ocidentais sobre arte fotográfica, tenha isso em mente, geralmente a classificação dos planos é discutida. Primeiro plano médio
É exatamente assim que, segundo psicólogos, costumamos ver nosso interlocutor ao conversar com ele a uma distância confortável para a comunicação (um passo e meio a dois passos). De aproximadamente “na altura do peito” a aproximadamente “na altura da cintura”. Isto é o que está entre estes “aproximadamente” e geralmente é chamado de primeiro plano intermediário. Segundo tiro médio
Se uma pessoa for vista abaixo da cintura, mas acima dos joelhos, isso é chamado de segundo plano intermediário. A esta distância (estamos agora a falar da distância a olho nu, sem ampliação, ou vice-versa, óptica grande angular), as capacidades motoras de uma pessoa, a ligação dos seus movimentos, gestos e expressões faciais básicas são claramente visíveis. De tal distância você pode olhar para uma pessoa sem medo de lhe causar desconforto. Determine por si mesmo o tipo de pessoa que, em igualdade de circunstâncias, preferirá tais planos, deixe-nos apenas lembrá-lo de que “são necessários planos diferentes, planos diferentes são importantes”. Plano geral
Na tomada geral, uma pessoa de corpo inteiro ocupa quase todo o quadro verticalmente, com variações razoáveis. Esta foto é ótima para mostrar o círculo interno dos personagens principais. Vamos enfatizar especialmente para operadores novatos: essa foto geralmente não salta para o próprio visor. Para capturar tal plano, você precisa se afastar. Definitivamente aconselhamos você a fazer esse esforço, a variedade de tomadas é essencial para um bom filme. Plano distante
Sim, não há limite para extremos. Este plano pretende mostrar tudo o que um espectador externo veria se estivesse no local do evento. A figura humana ocupa uma parte insignificante da tela, é necessária apenas para entender a escala, não há necessidade de falar sobre quaisquer expressões faciais ou expressões faciais. Mas a lógica entenderá imediatamente onde, em que época do ano e do dia ocorre o evento sobre o qual a história está sendo contada. É claro que para fazer um plano geral da cena de ação (caso contrário será apenas uma paisagem), o pobre cinegrafista terá que se afastar bastante. Garantimos que seu doloroso trabalho não será em vão, tais planos no prazo e no lugar são muitos dos filmes profissionais, e o espectador irá apreciar isso. Planos alternados Sim, de fato, por que escrevemos tanto? Se a proporção áurea ainda é útil, então por que uma história tão longa sobre planos? O leitor experiente provavelmente já percebeu que não importa como você aponte a câmera, você obterá algum tipo de plano. Como na conhecida história do filho de um súdito turco: nela, Ostap, fazendo os únicos movimentos possíveis, como se viu, repetiu a defesa de Felidor, que ele desconhecia. Conforme observado acima, o espectador ficará entediado com qualquer quadro de vídeo se ele não mudar em um tempo bastante curto (5 a 10 segundos). Não, claro, o evento pode ser tão interessante e importante quanto você quiser, e pode ser muito difícil se afastar da tela, mas o quadro ficará chato. Nosso olhar procurará novos detalhes da cena, mas não há detalhes. Vídeo não redundante. Se mostrarmos a cena de uma garota entregando uma xícara a um nômade (a foto está logo acima), mesmo que você aperte os olhos, mesmo que encoste o rosto no monitor, você não verá os detalhes. E tentar olhar além da borda da tela não ajudará. Nem um único plano no vídeo pode ser autossuficiente, mesmo por um curto período de tempo. Portanto? Os planos precisam ser mudados. A alteração de frames em um vídeo é chamada de edição. Acontece intraquadro иinterframe. Intraquadro - é quando uma mudança de planos e ângulos é feita movendo a câmera ou movendo objetos durante uma cena, sem parar de fotografar. Interframe - é quando o espectador vê o próximo quadro capturado por outra câmera, ou pela mesma câmera, mas após alterar o ângulo ou plano. Ambos os tipos de edição são necessários à sua maneira e bons à sua maneira; entre os reconhecidos mestres da arte há apologistas de ambos os tipos de edição. Por exemplo, Spielberg prefere a edição entre quadros, negando o movimento da câmera como tal, e Sokurov filmou o aclamado filme “Arca Russa” de uma só vez, sem desligar a câmera por um momento. Notemos que a maioria dos diretores não pensa em que extremo deve ir e utiliza a edição inter e intraframe como ferramentas para expressar suas ideias, sem quaisquer implicações ideológicas. Agora estamos falando apenas da ordem em que mudaremos os planos do nosso filme. Portanto, nosso objetivo não é pressioná-lo por muito tempo para adivinhar a resposta correta; os cineastas já procuraram a resposta para essa pergunta por muito tempo. Aqueles que desejam desfrutar plenamente da metodologia de pesquisa e dos experimentos emocionantes de Eisenstein e Kuleshov, nos referiremos ao livro “Montagem” de Sokolov. Garantimos que se gostou do processo de filmagem do vídeo, a leitura deste trabalho não será supérflua. Nós, caro leitor, simplesmente lhe daremos a resposta correta. Então: Edição por tamanho O mesmo objeto não pode ser mostrado em planos diferentes, a menos que estejam espaçados um passo um do outro. As exceções são as conexões “distante - geral” e “detalhe - grande”. Esquema:
De acordo com esse esquema, podemos mostrar ao espectador a cena e os personagens da maneira mais longa e abrangente que quisermos. O significado geral desta lei é mostrar ao espectador uma mudança na imagem para que ele não fique entediado, mas não faça isso de forma muito abrupta. Duas perguntas que responderemos, porque depois de ler atentamente e tentar descobrir, você não poderia deixar de perguntar: R: O que significa "não"? Eu vou pegar e fazer! P: Saúde! Só que no local onde você infringe essa lei (e outras que falaremos aqui) na junção de dois frames, vai surgir um sotaque, um desconforto de percepção de curto prazo. Haverá uma sensação de lacuna no tempo, um salto brusco. Claro que um filme (ou, por exemplo, um videoclipe) sem acentos é impossível, mas não devem ser feitos onde a narrativa seja contínua e não envolva violação da integridade e harmonia do que está acontecendo. R: Muitas vezes vemos nos filmes como esta lei é violada. Por exemplo, ao filmar um diálogo, vemos alternadamente um ou outro personagem em close e tudo é percebido com conforto. P: Estamos falando sobre mostrar o mesmo objeto. Você pode mostrar objetos não relacionados sem levar em conta esta lei; trata-se do mesmo objeto. Nenhuma das leis de que falamos funciona por si só; apenas o vídeo, que não contraria todas as leis aqui apresentadas, não causa desconforto quando percebido. Se mostrarmos uma pessoa caminhando por um beco de um parque ou uma garota sentada à mesa, aproximadamente a cada 5 a 10 segundos (dependendo da dinâmica da cena e do ritmo da narrativa) a cena deve mudar para que o espectador não não fique entediado. De acordo com esta lei, podemos mostrar o nosso herói em toda a sua glória. Instalação na direção do movimento e visão O mesmo objeto não pode se mover em dois quadros adjacentes em uma direção ou outra. Também parecerá desconfortável se o herói filmado olhar em uma direção em um quadro e na outra, em outro. Aqui, pensamos, também não há necessidade de nos determos na resposta à pergunta “por quê?”. Porque é impossível na vida correr instantaneamente ao redor de alguém e olhar para ele do lado oposto. Isso não acontece assim, o que significa que nossa psique não está preparada para tais percepções. Responderemos às dúvidas que os iniciantes têm ao tentar implementar esta lei na fotografia: R: O que devemos fazer se tivermos dois lindos quadros onde o objeto se move em uma direção ou outra? Ou se o objeto que precisamos precisa ser mostrado nos dois lados? Algum quadro terá que ser jogado fora? P: Os profissionais nesses casos usam os seguintes métodos:
A descrição dos princípios de direção do olhar na filmagem de diálogos merece atenção especial. Ao filmar diálogos ou qualquer outro tipo de comunicação, todas as tomadas consecutivas devem ser tiradas de um lado da linha de comunicação. Esperamos não ter que explicar por muito tempo sobre a linha de comunicação. Apenas desenhe mentalmente uma linha entre duas pessoas que se comunicam. Não é um segmento, não é um raio, mas uma linha. Não deve ser cruzado ao fotografar em nenhuma circunstância, exceto usando os três métodos descritos acima. Seguindo esta regra simples, obteremos imediatamente várias propriedades distintas do nosso vídeo, que ajudarão o espectador a perceber confortavelmente o que vê. Se um personagem sempre olha para a direita, o outro sempre olha para a esquerda. E você nunca terá a impressão de que as pessoas que conversam estão olhando para algum lugar em uma direção, uma por cima do ombro da outra. Ao mesmo tempo, a psique humana identifica os lados direito e esquerdo com a posição e atitude do herói; a menos que seja absolutamente necessário, você não deve cruzá-lo, mesmo usando os métodos descritos acima: o espectador terá uma sensação de mudança em ponto de vista, constrangimento de um dos participantes da conversa. Edição por fase de movimento O próximo quadro da cena deve continuar o anterior em termos de fase de movimento. O exemplo mais clássico normalmente usado para demonstrar o princípio são dois tiros de soldados marchando. Numa vemos como as pernas direitas desceram, na outra vemos como caem no chão. Provavelmente é desnecessário ressaltar que no vídeo os soldados não deveriam perder o ritmo neste ponto. E a perna que foi abaixada no anterior deve descer no segundo quadro. O cinema é uma grande força; ao assistir a um vídeo que não está em sintonia com o movimento, os trabalhadores da construção civil hereditários podem ficar histéricos. A mesma regra – não quebre o ritmo – deve ser aplicada a qualquer vídeo onde quaisquer movimentos perceptíveis tenham fases claramente visíveis. Observemos também: com a ajuda desta lei, é possível amenizar violações indesejadas de outras leis de instalação. Por exemplo, uma transição através da fase do movimento mascara muito bem a violação da lei da grosseria. Em um quadro, vemos o personagem principal balançando no primeiro plano médio, e no momento do movimento de sua mão mudamos o plano para um plano geral (precisamos mostrar para onde voará a pedra liberada de sua mão). Edição por Luma e Chroma O quadro subsequente da cena não deve apresentar diferenças perceptíveis em brilho e cor. Quaisquer alterações no brilho e na cor devem ocorrer gradualmente. Por um lado, tudo é claro: a oscilação de brilho e cor no quadro não deve causar irritação (lembre-se da fixação da exposição, que solicitamos no capítulo sobre botões da câmera), mas por outro lado, como sempre surgem dúvidas: R: O herói entra em um quarto escuro vindo de uma rua iluminada. Não queremos dar muita ênfase; pelo contrário, queremos mostrar a entrada do herói na casa simplesmente como uma das etapas do caminho, digamos, para a TV. O que devo fazer? Certamente um salto no brilho é inevitável? P: Sim, inevitável. Existem várias técnicas para suavizar esse salto (observe que todas essas técnicas também são apropriadas ao unir quadros de acordo com todas as outras regras; esperamos que você leia este artigo com atenção e tente não apenas memorizar, mas também analisar as informações recebidas ).
Como podemos perceber, todos os princípios de edição têm como objetivo principal reduzir o desconforto na transição de um quadro para outro. Ao analisar frames específicos e descobrir exatamente o que você não gosta, você pode descobrir outras regras. Mais alguns conceitos importantes. Boas maneiras para um cinegrafista Chegou a hora de terminar este artigo, que já se revelou significativamente mais longo do que o inicialmente previsto. Nos aventuraremos a dar mais algumas coisas que os iniciantes precisam saber ao acaso. Por que de forma assistemática? Em primeiro lugar, eles são fáceis de lembrar de qualquer maneira. Em segundo lugar, a explicação das razões “por que isto e não de outra forma” pode ser feita de duas maneiras. Demora muito, muito tempo para explicar e levar o leitor à resposta, ou simplesmente lembrar que o vídeo deve ser de fácil leitura, daí decorrem regras simples. Como já concluímos o “segundo lugar”, então, talvez, passemos exatamente a essas coisas. Então: Regra de quarenta e cinco A regra em si é muito simples. Ao fotografar o mesmo motivo ou cena, não devem ser tiradas duas imagens consecutivas no mesmo ângulo em relação ao motivo. É altamente desejável mudar o ponto de disparo para que o ângulo entre eles se aproxime de 45 graus. Ao mesmo tempo, todas as outras regras que conhecemos também devem ser seguidas. O que conseguimos com esta regra? Alterar o tamanho do quadro não parecerá um aumento ou redução instantâneo do objeto, o que, como já dissemos, leva a um efeito indesejável. Na vida real, é algo parecido com o que mostramos no diagrama abaixo.
Não pense que desenhamos tão mal. As duas imagens esquemáticas no canto superior direito da imagem são uma designação padrão de pessoas na criação de storyboards no cinema. Dois feixes de linhas divergindo da parte inferior da tela - duas câmeras com os ângulos de filmagem mostrados. Apesar do óbvio primitivismo, pode-se determinar com precisão que dois homenzinhos estão parados (ou andando, neste caso não importa) no canto inferior esquerdo da tela. Não separamos os dois pontos de tiro de forma arbitrária. Observação:
Evite movimentos repetitivos da câmera Quando os operadores tentam realizar a edição intra-quadro (e, na linguagem cotidiana, decorar de alguma forma um evento às vezes bastante comum), muitas vezes vemos a seguinte imagem: depois de deslocar ou brincar com o zoom in e out, o operador retorna ao quadro de onde a câmera começou a se mover, quase no sentido oposto. Houve uma abordagem - imediatamente a câmera começou a voltar. Houve uma curva à esquerda - agora haverá uma curva à direita. Preciso provar agora que isso é desconfortável para o espectador assistir? Não vamos, apenas acredite na minha palavra. Isso não funciona durante a filmagem de um vídeo encenado, mas e a reportagem? Precisamos voltar ao mesmo ponto novamente, a criança (ou cachorro, ou qualquer pessoa) está correndo em círculos. Fizemos uma abordagem para mostrar algum detalhe importante, é hora de voltar ao plano geral, algo muito importante está acontecendo ali, o espectador não pode ficar muito tempo no escuro... Então, o que vamos pendência?
Acene com a mão (sim, esse método existe). Segure a cena por mais tempo para que o espectador tenha tempo de esquecer exatamente como era a anterior e depois retorne calmamente à anterior. Dando a si mesmo e ao espectador uma pausa dos personagens principais À menor violação das leis de instalação, ocorre... Isso mesmo, você já aprendeu o material deste artigo. E imagine realizar essa tarefa (não deixar o espectador sentir o menor desconforto por infringir alguma lei) com todo o zelo. Garantimos que será muito difícil filmar a cena mais trivial. E preencher um episódio de dois minutos com ações significativas de acordo com todas as regras é tarefa de uma equipe de filmagem profissional. Que truques existem para isso? Existem dois tipos – profissionais dignos e indignos. Vamos começar com os indignos: Quadros divididos “flash” ou, inversamente, levando para a escuridão. É aceitável ao criar um trabalho em um gênero como um videoclipe (neste gênero, por algum motivo, quase tudo é considerado apropriado. Nunca tome os videoclipes como exemplo de aprendizagem!), mas muitas vezes esse “trabalho” também pode ser visto na televisão, em programas de estilo MTV ou Fashion. Não se proponha a chocar e atordoar o espectador: dadas as condições de filmagem que surgem no dia a dia, você já terá um grande número de inconsistências. Existem maneiras melhores: Usar interrupções. Pessoal neutro que não esteja diretamente relacionado com os atores ajudará a mudar muita coisa. Por exemplo, ao mostrar diálogos intensos e personagens se movendo pelo cenário, eles muitas vezes ficarão fora do quadro. Momentos em que “não há moldura” ou não corresponde aos cânones em sua direção e tamanho podem ser substituídos com sucesso, por exemplo, por espectadores ouvintes. É claro que as vistas da natureza irão colorir significativamente o filme sobre a caminhada. Lembre-se que durante a edição você pode inserir imagens que foram filmadas não com as mãos trêmulas de cansaço ou com respiração acelerada, mas um pouco mais tarde, em repouso. Publicação: ixbt.com
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